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Menino em Colete Vermelho  é uma de um conjunto de obras - duas aquarelas e quatro pinturas - descrevendo o modelo italiano Michelangelo di Rosa vestindo o vistoso colete que se refere o título. O uso de um modelo profissional foi um divisor de águas para Cézanne que, até então, havia contado com a família e amigos como temas. Pouco se conhece sobre quem posa, além de seu nome e nacionalidade, mas a pintura é menos um retrato que um estudo sobre estilo e composição. A pose do modelo é convencional, reminiscente dos nus acadêmicos produzidos em aulas de desenho da figura humana. No entanto, igualmente remonta a outros e mais elegantes antecedentes da Alta Renascença tais como os retratos aristocráticos de Agnolo Bronzino, notáveis por suas desacreditadas e lânguidas figuras, a linha sinuosa de seu torso e o formato em três quartos de comprimento. Cézanne parece prestar um tributo ao passado mesmo quando transforma suas tradições através da introdução de uma linguagem visual mais ar

Clodion se especializou em pequenas figuras de terracota, frequentemente divertidos objetos eróticos vagamente baseados nos mitos antigos referentes a Baco, o deus do vinho e seus devotos. Planejados para o prazer da visualização próxima em elegantes ambientes domésticos, estas invenções eram frutos de anos de estudo na Itália. Ainda que com indicações de serem preservados, esse exemplo foi esculpido como modelo para uma obra em escala maior em mármore. A National Gallery também possui a obra acabada em mármore (em exibição na Sala das Esculturas Oeste), uma das poucas obras encomendadas a Clodion que sobreviveram. Esse raro par de modelo de terracota e obra acabada em mármore numa coleção permite uma fascinante incursão ao desenvolvimento do design. O mármore Poesia e Música  foi um dos quatro grupos simbolizando as artes e as ciências, encomendados pelo abade Joseph-Marie Terray a decorar a sala de jantar de sua mansão parisiense, celebrando sua indicação como diretor das Edifi

As paisagens de Gainsborough são  considerações altamente pessoais que evoluíram de ideias e imagens que desenvolvia em seu estúdio, fosse diretamente em telas ou em modelos em escala. Nessa obra ele foca no esforço físico dos pescadores enquanto confrontam ventos fortes e arrebentação. Mesmo o penhasco maciço do outro lado da enseada, seu picadeiro em diagonal postado contra o vento, parecem ecoar os esforços dos homens lutando para lançar seu barco ao mar. Gainsborough possuía obras de pintores marinhos holandeses, e a influência deles é evidente aqui. Sua própria técnica de pintura livre e sugestiva, no entanto, dá a cena uma dimensão única de frescor e espontaneidade. Ele aplicava sua pintura em camadas finas e translúcidas que são acentuados por hábeis toques de impasto, particularmente na roupa dos pescadores e na espuma branca das ondas. Uma contida paleta de marrons e cremes sugere a costa e as pedras; verde-acinzentados, verde-azuis e brancos acentuados descrevem a ex

Uma enchente no início da primavera de 1872 levou Sisley a Port-Marly, uma vila à margem do Sena próximo a Louveciennes, onde morava. A água se encontra calma e a atividade humana é mínima. Mais que um incidente dramático ou pitoresco, a atenção do artista foi capturada pelos efeitos puramente visuais das nuvens carregadas e ruas cobertas de água. A tranquilidade da pintura e o candor e simplicidade da observação de Sisley são qualidades derivadas de Corot, a quem Sisley havia encontrado nos anos 1860. A composição é tradicional. O restaurante  St.Nicolas à esquerda e o tronco ereto à direita e seus reflexos estabelecem um primeiro plano estável e enquadram uma abertura ao centro em direção a um grupo de árvores e uma encosta distante. O tratamento do artista, no entanto, distingue Enchente em Port-Marly  como uma obra impressionista. Pintando rapidamente a cena, provavelmente numa única sessão, Sisley fez uso de tons suaves de um amplo espectro de matizes com uma camada fina de f

Courbet pintava primordialmente eventos e cenários de sua nativa Ornans, uma vila na remota região de Franche-Comté. Proponente do realismo, transformou as ideias tradicionais sobre arte ao descrever camponeses simples e cenários rústicos com dignidade e numa escala grandiosa, somente reservada às pinturas históricas. Galhos pendentes e verdejantes vegetações rasteiras circundam um estreito riacho no interior da floresta são observados em O Córrego . Esse local primitivo, aparentemente não perturbado pela civilização, evoca uma ânsia bastante popular durante o século XIX, um desejo romântico por um retiro tranquilo e restaurador dos rigores da vida moderna. Courbet utilizou uma técnica de espátula pouco ortodoxa para aplicar camadas irregulares de pigmentos, criando uma superfície trabalhada grosseiramente que imita as texturas das folhagens, água e pedras de calcário para evocar a presença física do terreno. Quando essa pintura foi exibida na Exposition Universelle de 1855, Cour

Por volta de 1779, Benjamin West havia concebido a "grande obra" de sua vida, pretendendo reconstruir a Capela Real do Castelo de Windsor como um santuário da Religião Revelada. Após patrocinar o projeto que havia sido elaborado por duas décadas, George III subitamente o cancelou em 1801. Apesar do projeto como um todo ter sido abandonado, muitas pinturas individuais,incluindo a  Expulsão , de quase três metros, foram completadas. O Livro do Gênesis não indica como o primeiro homem e mulher foram expulsos do Éden, mas os artistas geralmente retrataram o arcanjo Miguel como agente do ódio divino. Os pecadores vestem robes de peles porque Deus os vestiu com "casacos de peles" para que não se sentissem envergonhados diante de sua presença. A serpente, agora amaldiçoada dentre as criaturas, desliza sobre sua barriga comendo poeira. O feixe de luz que se sobrepõe as cabeças refere-se a "espada flamejante" no Gênesis. A Expulsão de West contém dois motivos

Quando Stuart retornou à América em 1793, o artista encontrou uma terra natal que era estrangeira a ele. Politicamente, havia agora os Estados Unidos ao invés das treze colônias separadas. Artisticamente, o estilo elegante que havia adotado a partir das poses de britânicos e irlandeses era considerado grandemente inapropriado para as sensibilidades mais rudes dos comerciantes ianques. Queixando-se da literalidade que lhe era exigida na América, Stuart brincou: "Na Inglaterra, meus esforços eram comparados aos de Van Dick, Titian e outros grandes pintores - aqui eles são comparados às obras do Todo Poderoso!" O Todo Poderoso deu a Catherine Yates uma face ossuda e uma personalidade calculada, que vem a ser justamente o que Stuart retrata. Não desejando perder seu tempo posando para um artista, essa esposa de um importador nova-iorquino diligentemente se dedica à sua costura, Além do que a brilhante manipulação na pintura gera uma verve que poucos outros artistas de qualq

Durante os últimos quinze anos de sua vida Matisse desenvolveu seu último triunfo artístico no "corte em cores". Primeiro, seus assistentes pincelavam pigmentos opacos e semi-transparentes de aquarelas em pequenas folhas de papel em branco. O artista então cortava as folhas manualmente de formas ousadas sendo afixadas nas paredes brancas do estúdio, ajustadas, recortadas, combinadas e recombinadas com outros elementos. Posteriormente, os elementos foram colados de forma plana em um grande rolo branco ao fundo para o transporte ou exibição. Grandes Composições com Máscaras , a maior das montagens de Matisse, foi concebida originalmente como análise preliminar em tamanho real para um mural em cerâmica. Sua escala é arquitetônica, simétrica na estrutura. Colunas em cada lado abrigam uma composição de ornatos em formas de rosa em grupos de quatro, que formam um grande padrão de aproximadamente dez metros de tamanho. Se o desenho de Grandes Composições com Máscaras é relativ

George Caleb Bingham foi um dos mais importantes pintores a se especializar em pinturas de gêneros, que descrevem cenas da vida cotidiana. Seus primeiros anos foram passados no Missouri, conhecendo ele de primeira mão a vida na fronteira, especialmente as chegadas e partidas dos barqueiros que transportavam cargas nos grandes rios do Meio Oeste. As pinturas de Bingham eram destinadas ao público das cidades do Leste tais como Nova York e Filadélfia, e os barqueiros são retratados já por volta de 1850 como rudes e errantes personagens emblemáticos que estavam levando a civilização americana ainda mais para o oeste. Também eram considerados personagens de má reputação, que se orgulhavam de farrear pelas cidades nas quais passavam enquanto desciam o rio. Os homens retratados nas pinturas de rio de Bingham são geralmente jovens mas aqui somos apresentados a um indivíduo mais velho e carrancudo que nos olha com indisfarçável mau humor. Essa figura solitária de postura agressiva, mesmo am

Numa resenha sobre o Salão de 1846, o crítico e poeta Charles Baudelaire intimou os artistas a descreverem "o Heroísmo da Vida Moderna". Manet incorporou o pintor urbano da Paris contemporânea de Baudelaire. O imperador Napoleão III ordenou a renovação da cidade sob a direção do Barão Haussmann, e nos primórdios da década de 1860 o bairro miserável onde Manet tinha seu estúdio estava sendo posto à baixo para acomodar os amplos bulevares de três pistas que ainda hoje caracterizam a cidade. Nessa pintura, Manet representou um músico ambulante ladeado por uma garota cigana e seu bebê, um acrobata, um garoto de rua, um bêbado e um trapeiro - indivíduos que o artista podia observar nas cercanias de seu estúdio. O encontro aparentemente casual é composto de pobres urbanos, todos desalojados por Haussmann. Nem anedótico nem sentimental, Manet os observa com a cuidadosa neutralidade de um olhar não enviesado, e a ambiguidade distintamente moderna e atenção ao detalhe de O Velho M

Leone Battista Alberti, dentre os mais amplamente disseminados talentos da Renascença. é celebrado por seus tratados sobre pintura, escultura e arquitetura. Ele também foi talentoso nos campos do direito, filosofia, matemática e ciências. Além de suas experimentações  com a pintura e a escultura, desenhou grandes igrejas nas cidades de Rimini e Mântua, no norte da Itália, cujos governantes ele aconselhava nas artes. Também serviu como consultor arquitetônico para o papa Nicolau V. Este bronze é provavelmente fundido a partir de um molde de cera numa forma e desenho inspirada nas obras esculpidas na gema pelos antigos romanos. O lenço dobrado ao redor do pescoço evoca a roupagem clássica. Os cabelos cortados rentes podem ser associados tanto com o estilo romano quanto o em voga por volta de meados do século XV. Seus tufos macios lembram a juba do homônimo de Alberti, o leão (Leone). Suas linhas claras e continuadas, cabeça orgulhosamente erguida e olhar distante trazem à caracteri

O filho mais velho de Charles Wilson Peale, um dos mais importantes e influentes artistas dos primórdios da república americana, Raphaelle Peale foi não somente um versátil pintor, mas também um com uma particular especificidade. Como William Dunlap, o primeiro historiador da arte americana  escreveu em 1834, ele foi, como seu pai, "um pintor de retratos à óleo e miniaturas, mas se sobressaiu nas composições de naturezas-mortas. Talvez possa ser considerado o primeiro à sua época que adotou este gênero de pintura nos Estados Unidos." A escolha de Raphaelle Paele por naturezas-mortas foi considerada excêntrica por estetas tais como o inglês Joshua Reynolds, que as considerava muito abaixo das pinturas históricas, como uma forma de expressão artística menor. Nas mãos de Peale, entretanto, as naturezas mortas são investidas de um senso de beleza atemporal e gravidade que lhes dá sentido e peso muito além do que é proporcionado pelas formas simples que descreve. Ele se tornou u

A Família Washington , de Edward Savage rapidamente se tornou em verdadeiro ícone de nosso primevo orgulho nacional. No inverno de 1789-90, o presidente Washington e sua esposa posaram para Savage em Nova York, então capital da nação. Os netos da Sra. Washington, adotados pelos Washingtons após a morte de seus pais, provavelmente também posaram para seus retratos à óleo em Nova York.  Savage passou a incorporar os estudos individuais de suas faces em um retrato coletivo gravado numa placa de cobre. Após uma temporada na Inglaterra, retomou o retrato familiar na Filadélfia - desta vez, entretanto, no formato maior de óleo sobre tela. A Família Washington foi exibido em 1796. O catálogo de Savage considera  que o uniforme de Washington, assim com os papéis em suas mãos se referem ao "personagem militar" e "presidenciável" respectivamente. Com um mapa diante dela, Martha Washington está´apontando com seu leque para "a grande avenida", hoje conhecida como

Hogarth representa um importante divisor de águas na arte britânica, marcando o final do domínio dos pintores holandeses e flamencos do final do século e o surgimento de uma escola nativa. Ainda que seu estilo tenha sido influenciado pelo rococó francês, Hogarth foi um realista e crítico social cujos temas eram provenientes das classes médias londrinas, observando-as nas ruas, nos cafés ou no teatro. Essa vívida cena é uma versão menor de uma pintura anterior, hoje na Tate Gallery, de Londres. O tema foi baseado na popular e por um longo tempo encenada  ópera-balada de John Gay. Com sua burlesca abertura no estilo da grande ópera italiana e seus mais sutis ataques a classe dirigente britânica e ao governo de Walpole, sua história foi o meio apropriado para a incisiva sátira pictórica de Hogarth. O cenário (Cena 2, III Ato) é na prisão de Newgate onde Macheath, um salteador e anti-herói foi levado, após ter sido capturado por roubo. Ele permanece no meio do palco, algemado, perna

Os compradores mais entusiasmados das vistas de Veneza por Canaletto foram os nobres ingleses que afluíram a cidade como turistas durante o século XVIII. O comprador de Entrada do Grande Canal de Molo, Veneza (e seu incompleto A Praça de São Marcos , também na National Gallery) foi, na realidade, o Conde de Carlisle, que o incorporou a decoração de sua casa de campo, Castle Howard. Foi a transcrição apaixonada de Canaletto, detalhe por detalhe, de sua cidade natal que tornaram suas pinturas tão populares: cada vista vividamente chama a atenção para uma época e local particulares. Aqui é a atividade matinal do cais próximo a Praça de São Marcos que Canaletto recriou com tanta especificidade. Grupos de pessoas ociosas andam ao longo do ancoradouro enquanto um vendedor de peixe apresenta as enguias que pescara no dia para dois emperucados nobres. Gôndolas e navios que partem para o oceano cruzam as vias navegáveis. Canaletto transmite a luz do sol que inunda Veneza no bom tempo, refle

Durante sua breve carreira Richard Bonington pintou uma variedade de temas, incluindo paisagens, vistas marinhas e cenas históricas e de gêneros. Trabalhando principalmente em Paris e Londres, ele também efetuou regularmente viagens para vários lugares, onde produziu rascunhos; em 1826 se deteve em Veneza por quase um ano. Enquanto esteve lá,  Bonington  pintou vários pequenos esboços que posteriormente utilizou em estúdio para criar obras acabadas, tais como essa primorosa pequena pintura. Bonington foi grandemente admirado em seus próprios dias por sua habilidade excepcional em capturar efeitos de luz e atmosfera com precisão irretocável. O pintor francês Eugene Delacroix, um admirador particularmente devoto, admitiu que nunca parou de admirar "a compreensão maravilhosa dos efeitos de Bonington e a facilidade de sua execução (...) a leveza do toque que (...) fazia seus quadros serem como diamantes que deleitavam o olhar." Aqui o admirável jogo de luz sobre as fachadas

Orazio Genitileschi foi um dos primeiros e mais talentosos pintores a se inspirar em cenas do gênero de Caravaggio em Roma. Aqui, ele devia ter em mente a famosa pintura de Caravaggio sobre o mesmo tema. A jovem esposa de Orazio escuta atentamente atentamente como ressoa uma nota em seu instrumento em formato de pera. Ela pode estar afinando seu alaúde, antecipando-se ao concerto prometido por um grupo de arquivistas, um cornetto e um violino, e as partituras abertas diante dela. A graciosa musicista e seu alaúde são vistos, surpreendentemente, de costas, voltada a três quartos de distância do espectador. A atenção meticulosa de Orazio ao detalhe é tal que cada superfície é descrita com uma precisão no foco que é um prazer aos olhos. Os pintores holandeses, famosos por suas espetaculares representações de texturas, aprimoraram seu ofício estudando as obras de Orazio. Seu talento  para transmitir as texturas dos finos tecidos é aqui demonstrado no penetrante dourado do vestido, no

Cristo é visto aqui na cena de seu primeiro milagre - a transformação da água em vinho. Ele permanece na mesa do banquete, sua mão direita erguida em gesto de benção, enquanto um criado indica um jarro de barro como que explicando o que havia acabado de ocorrer, oferecendo ao casal de noivos uma taça do vinho transformado. Que o artista havia absorvido a tradição da pintura flamenca do século XV é evidente em sua maestria da técnica a óleo e sua representação meticulosa de texturas e mínimos detalhes. Combinado com esses elementos se encontram os puramente hispânicos tais como as faces solenes com bocas voltadas para baixo e costumes reconhecidamente hispânicos. O nome não identificado do artista é derivado de sua obra mais conhecida, O Retábulo dos Reis Católicos , do qual esse painel faz parte. Visível entre os dispositivos heráldicos são a insígnia das províncias unidas pelo casamento de Fernando e Isabel. A presença adicional do brasão de armas do Sacro Império Romano implica

A beleza e a excepcional voz de soprano de Elizabeth Linley lhe trouxeram sucesso profissional nos concertos e festivais em Bath e Londres. Depois de casar com Sheridan em 1773, ela abandonou a carreira para apoiar e participar das atividades do marido como político, dramaturgo e orador. A obra de Sheridan era imensamente popular, e suas engenhosas peças, A School for Scandals e The Rivals , são partes admiradas do repertório teatral contemporâneo. A Sra. Sheridan é apresentada aqui com a idade de 31 anos enquanto mulher madura e elegante. Imersa na paisagem, suas formas graciosas dobram-se à curva das árvores por trás dela. Luzes surgem de forma rápida e livre ao longo de seu vestido, assim como ao longo das nuvens no céu. As distintas texturas das pedras, folhagens, seda e cabelos são unificados pelo ritmo forte e animado das pinceladas de Gainsborough. O estilo impressionista e livre dos trajes da Sra. Sheridan e a paisagem ao vento refletem o forte componente romântico do tem

Diego Velázquez é considerado como um dos maiores mestres da Europa do séc. XVII. Por volta de 1623, o artista de vinte e quatro anos se estabeleceu na corte de Felipe IV, em Madri. Pelos quarenta anos seguintes encontrou-se primordialmente ocupado em pintar retratos surpreendentemente inovadores da monarquia e da família real. Mas, em suas horas vagas, voltou-se para temas que pessoalmente lhe interessavam. A Costureira se encontra entre essas obras. Sua observação dos efeitos óticos da luz nas formas que pintava provocou em Velázquez um abandono do tenebrismo - ou extremo contraste entre luzes e sombras - que caracterizou suas primeiras obras em favor de um estilo mais suave. Aqui, nenhuma área é obscurecida pela escuridão. O artista faz uso da sombra de uma luz discreta e profunda, mas translúcida, para revelar cada plano da face, para esculpir os seios inchados e sugerir o movimento repetitivo das mãos. Por conta da pintura permanecer incompleta, as etapas do processo do art