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Do final de 1904 até o início de 1906, a obra de Picasso centrou-se num único tema: o saltimbanco ou artista itinerante de circo. O tema do circo e do artista circense possui longa tradição na arte e na literatura, e tornou-se especialmente destacado na arte francesa do final do século XIX. Uma inspiração mais imediata para Picasso veio dos artistas do Circo Médrano,  ao qual o artista foi com freqüência, próximo de sua residência e de seu ateliê em Montmartre. Os artistas de circo eram considerados como à margem da sociedade, pobres mas independentes. Enquanto tais, proporcionavam um eficaz símbolo sobre a alienação  de artistas de vanguarda como o próprio Picasso. Entretanto, foi sugerido que A Família de Saltimbancos  serve como um comentário autobiográfico, uma forma secreta de Picasso retratar a si e seu círculo. Picasso voltou a trabalhar A Família de Saltimbancos  diversas vezes, acrescentando figuras e alterando a composição. As figuras ocupam uma paisagem desolada e apes

Small Crucifixion de Thomas Grünewald é um exemplo magistral da habilidade artística para traduzir sua profunda fé espiritual em formas pictóricas. Cada indivíduo, de acordo com Grünewald, deve reviver, dentro de si próprio, não somente a infinita alegria do triunfo de Cristo, mas igualmente  as dores lancinantes de sua crucificação. Para comunicar essa crença mística, Grünewald fez uso de uma mescla de medonho realismo e expressividade nas cores. Recortado contra um céu azul-esverdeado e iluminadas por uma fonte de  luz indefinida, o corpo abatido e magro de Cristo afunda vacilante sob a cruz. Os detalhes - os pés e mãos torcidos e retorcidos, a coroa de espinhos, o olhar suplicante em direção a face de Jesus e a tanga esfarrapada - fortalecem o enfático testemunho do sofrimento físico e tormento emocional. Essa atmosfera abjeta é intensificada pelas expressões angustiadas e gestos demonstrativos de João Evangelista, da Virgem Maria e de Maria Madelena ajoelhada. As cores dissonan

A política teve um papel importante na carreira de Madame Vigée-Lebrun. Uma pintora de Maria Antonieta desde 1779, foi eleita para a Real Academia de Pintura por um decreto da rainha em 1783. Seus laços próximos com a família real puseram sua vida em risco durante a Revolução e ela abandonou a França em 1789, não retornando senão após a Restauração dos Bourbon em 1812-14. Portanto, não é surpreendente que seus retratos das damas da sociedade revelem poses graciosas, superfícies acabadas e expressões doces, mas controladas, que tanto mascaram quando traem uma atmosfera de mudança política ao redor de seus retratados. A elaborada vestimenta dessa jovem mulher apresenta motivos de três culturas diversas. Seu turbante e jaqueta evocam roupas de um harém turco. As alusões a um exótico Oriente assinalam uma fuga do presente assim como uma aceitação de ideias não-ocidentais pelo Iluminismo. Seu fluido vestido branco evoca os da Grécia e Roma Antigas, significando inspiração para virtudes re

Quando Whistler submeteu The White Girl ao Salão de Paris de 1863, os critérios tradicionais do júri recusaram apresentar a obra. Napoleão III convidou artistas de vanguarda que haviam sido recusados no espaço oficial a apresentar suas pinturas no "Salão dos Recusados", exibição que levantou inúmeras controvérsias. A obra de Whistler encontrou uma forte ridicularização do público, porém um número de artistas e críticos elogiou sua participação. Whistler utilizou variações do pigmento branco para criar interessantes relações espaciais e formais. Ao limitar sua paleta, minimizando o contraste tonal e inclinando acentuadamente a perspectiva, de uma forma reminiscente da arte oriental, ele achatou as formas e enfatizou seus padrões abstratos. Essa abordagem composicional dramática reflete a influência das gravuras japonesas, que estavam se tornando bem conhecidas em Paris com o crescente comércio internacional. Evidentemente, Whistler estava mais interessado em criar um des

Michel Sittow, um pintor do nordeste, que nasceu na Estônia, no Mar Báltico, mas teve seu aprendizado em Bruges, foi um aclamado retratista da corte espanhola. Após a morte da Rainha Isabel, em 1504, sua extravagante carreira o levou a diversos centros do nordeste europeu, incluindo Burgundy, onde provavelmente pintou esse retrato. O retratado observa, com semblante sério, não em direção ao observador do quadro, mas para sua extremidade que se encontra além do que é emoldurado. O tapete ornamentado que cobre o parapeito de pedra onde suas mãos se encontram proporcionou aos estudiosos uma importante pista que os levou a descobrir que o objeto de sua concentração é uma pintura da Madona e sua criança, de dimensões similares, que se encontra na Gemäldgalerie de Berlim.Nesse painel, uma porção bem mais ampla desse parapeito, coberto pelo mesmo tapete, surge como um suporte para o Cristo criança. Parece evidente que os painéis de Berlim e Washington foram originalmente dispostos juntos,

A Holanda foi uma grande nação comerciante que dependia da navegação como base para a riqueza e o poder. Seja através do mar ou através de uma teia de rios e canais que se disseminava pelas planícies, os navios holandeses carregavam produtos para o comércio. Cidades e vilas cresceram ao longo das vias navegáveis do interior, de uma maneira que o transporte de bens por barcaças de passageiros e por ferryboats pudesse ser facilitado. Descrições de tais vias aquáticas foram extremamente populares na primeira metade do século XVII. Um dos mais renomados artistas pioneiros, Jan van Goyen foi particularmente adepto de sugerir os variados aspectos das regiões em diferentes estações do ano ou condições climáticas. Nessa vista de Dordrecht,o céu é nublado e as águas tranquilas, uma atmosfera sutilmente criada através de uma gama de ocres e cinzas. As figuras animam a cena; um pescador trabalha em suas iscas à esquerda e atrás dele um veleiro embarca mais alguns viajantes provenient

De acordo com os dogmas da igreja católica do século XVII, Maria Madalena foi um exemplo de pecadora arrependida e, consequentemente, um símbolo do Sacramento da Penitência. De acordo com a lenda, Maria levava uma vida dissoluta até sua irmã Marta a persuadir a escutar Jesus Cristo. Ela se tornou uma das mais devotas seguidoras de Cristo e ele a absolveu de seus antigos pecados. Nas telas sombrias de Georges de La Tour, Maria é apresentada de perfil, sentada a uma mesa. Uma vela é a fonte de luz da composição, mas a luz também carrega sentido espiritual que lança um brilho dourado na face da santa e nos objetos dispostos sobre a mesa. À silhueta da luz de velas ,a  mão esquerda de Maria repousa em uma caveira posta sobre um livro. A caveira é refletida como um espelho. A caveira e o espelho são símbolos de vanitas , implicando na efemeridade da vida. A simplificação das formas, paleta de cores reduzida e a atenção aos detalhes evocam um silêncio assombrado que é único na obra de

Charles William Peale foi uma figura importante nas ciências e artes americanas durante o período revolucionário. Sua fé no valor educacional da arte o levou a estabelecer uma academia de pintura em Filadélfia tão cedo quanto em 1795. Quando o empreendimento faliu, Paele combinou seus interesses artísticos e científicos em um museu. Em 1788, os Lamings lhe pediram para fazer esse duplo retrato. O diário de Peale registra suas atividades de 18 de setembro, quando ele "criou o esboço do desenho" após o jantar até o dia 5 de outubro, quando acrescentou os toques finais. Para além de seu trabalho na pintura, Peale estudava história natural na propriedade da família, nos arredores de Baltimore. Peale habilmente concebeu uma postura inclinada para o marido de forma que seu tamanho não ofuscasse o de sua pequena esposa. Além do que, nessa postura pouco usual, reclinada, torna o casal mais próximo, dizendo de seu amor. O ambiente, "vista de uma parte da cidade de Baltimo

Nessa cena tempestuosa, El Greco descreve a ira de Cristo expulsando os mercadores do Templo. Tema incomum, tornou-se crescentemente popular na segunda metade do século XVI, promovido pelo Concílio de Trento enquanto símbolos da tentativa da igreja católica purificar a si própria após a Reforma Protestante. Aqui El Greco retrata mulheres parcialmente cobertas e homens de peito nu se contorcendo para escapar dos golpes do chicote de Cristo, enfatizando a agitação dos participantes e exagerando sua irreverência. O cenário é de uma grandiosidade clássica, mais evocativa dos palácios renascentistas italianos que dos ambientes sagrados do Templo em Jerusalém. Esse painel foi pintado em Veneza antes de El Greco viajar para a Espanha. O espaço ilusionista e as figuras voluptuosas nessas obras iniciais são grandemente diferentes do espaço chapado e formas estilizadas da arte bizantina, que continuaram a dominar a pintura do artista, nativo de Creta. A chegada de El Greco à Veneza, por vol

John Singleton Copley,o mais importante pintor colonial americano, nasceu em Boston de pais irlandeses. Em 1748, a mãe viúva de Copley casou-se com Peter Pelham, pintor e gravador. O padrasto de Copley provavelmente lhe deu algumas lições de arte, mas morreu quando Copley tinha apenas treze anos. Posteriormente, o pintor reivindicou que havia sido um auto-didata. Copley, que era extremamente observador, presumidamente aprendeu muito sobre arte observando outros pintores treinados na Inglaterra que estavam trabalhando no Novo Mundo e estudando gravuras importadas da Europa. Muito mais importante foi sua habilidade inata de registrar objetivamente detalhes e sugerir características. Gilbert Stuart depois diria do realismo descompromissado do Epes Sargeant de Copley, "alfinete esse mão e o sangue jorrará abundante." Tendo cerca de setenta anos quando posou para Copley, Sargeant havia desistido de Harvard para se dedicar aos negócios em sua Gloucester natal. Após a morte

Talvez mais que na obra de seus dois mestres, Boucher e Chardin, o manuseio virtuoso das pinceladas e cores incorpora a estética da pintura do século XVIII. Em A Young Girl Reading , a pessoa é apresentada de perfil, lendo o livro em sua mão direita e completamente absorta em sua leitura. Ela parece se encontrar sentada em uma janela que ilumina seu rosto e seu corpo, modelando uma débil sombra contra a parede. Trajando um vestido amarelo limão com um colar branco e fitas demarcados com rendas lilás em seu corpete, pescoço e cabelo. Repousando em travesseiros macios em fortes tons marrons e sublinhados pela luz púrpura. Cada textura é produto de uma pincelada diferente: seu vestido produto de fortes pinceladas em amarelo e branco, os travesseiros são mais vagamente esboçados e a borda do colar é pintado com o cabo do pincel. Como em Soap Bubbles  (p. 168), de Chardin, o observador tem a ilusão de que presencia um momento de intimidade. No entanto, na obra de Fragonard, o brilho amarel

Worthington Whittredge foi um dos pintores mais experimentais, em termos artísticos, da Hudson River School. Um contemporâneo de outras figuras centrais da escola como Jasper Francis Cropsey, Sanford Robinson Gifford, e Frederick Edwin Church, Whittredge criou paisagens que ainda eram crítica e popularmente admiradas nos anos 1870 e 1880, muito após um estilo inicial ter caído em desuso. Ao contrário de muitos de seus colegas pintores, Whittredge possuía conhecimento de primeira mão da pintura de paisagens européia, e era particularmente receptivo à estética das escolas francesas Barbizon e impressionista. Ao pintar essa radiante e livremente pincelada obra, o artista demonstrou sua maestria no domínio  dos novos estilos de pintura de paisagem e também criou uma das paisagens marcantes dos Estados Unidos da época. Por volta da época que Whittredge pintou Second Beach , esta já era há longo tempo um dos balneários favoritos de americanos ricos que construíam suas extravagantes resid

O grande talento de Murillo para a pintura dramática se torna aparente nessa monumental descrição da parábola familiar do filho pródigo, uma alegoria do arrependimento e do perdão divino. Com intérpretes e elementos de cena estrategicamente localizados para ressaltar o drama, torna-se reminiscente de uma peça de teatro bem encenada. O artista selecionou os elementos essenciais do clímax da história: o filho penitente sendo bem recebido em casa por seu indulgente pai; as ricas vestimentas e anéis que significam o retorno do filho errante à sua antiga posição na família; e o cevado novilho levado ao abate para o banquete celebratório. Pai e filho, agrupados de forma central, piramidal e excessiva dominam a pintura, enquanto a cor mais destacada é reservada ao criado que traz as novas vestimentas. Murillo pode ter escolhido enfatizar esse aspecto da parábola - simbólico da caridade - por conta da natureza de sua encomenda. O Retorno do Filho Pródigo  foi uma das oito monumentais tela

Claude-Joseph Vernet was one of the most famous marine painters in eighteenth century Europe. In 1734 he traveled to Italy where he soon established his reputation. He sketched in an around Rome and along the Mediterranean coast, capturing scenes that provided the basic repertoire of his art for the rest of his career. His paitings were much sought after by Roman collectors and international community of French diplomats and wealthy travellers, especially the British making their Grand Tour. For these patrons, Vernet painted views of Rome and Naples, and imaginary landscapes and coastal scenes that evoke, rather than describe, an idyllic Italian countryside and coastline. The Shipwreck epitomize the type of subject for which Vernet is best know. Comissioned in november 1771 by Lord Arundell, The Shipwreck  formed a dramatic contrast with its more tranquil pendant Mediterranean Coast by Moonlight (location unknow since about 1955): the first work illustrates "The Sublime" (e

Hubert Robert, know as "Robert of the Ruins" spent eleven years as a student in Rome from 1754 until 1765. During his soujorn he studied at the French Academy, but dedicated most of his energy to sketching the Eternal City and the Roman campgana . He reworked the ideas recorded to his sketchbooks, in drawings, and paintings throughout his career. In the Old Bridge , Robert used an ancient monument as the basis for his modern composition. The Ponte Salario, which was built in the sixth century, is show from below. The arch of the bridge, illuminated by a soft pink glow, separates foreground from background space. Through the bridge we see the Roman countryside in the distance. The crumbling pier on the far left has been converted into a contemporary barn. Robert has combined the grandeur of ancient Rome with the anecdotal. For example, the young man on the right bank admires the washerwoman opposite, while the old woman on the pier entices her cat to return. Robert, by