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Uma intensidade fervorosa nesse retrato de São Sebastião marca-o como uma obra característica de Tanzio, cuja aldeia de Varallo onde nasceu, nas montanhas ao norte de Milão foi uma referência de devoção popular.O retrato apresenta Sebastião, que foi perseguido como cristão por Dioclécio, sendo salvo pelos anjos após ser atacado pelos arqueiros do imperador. A figura atarracada à direita que ternamente segura o corpo de Sebastião para os cuidados do anjo pode ser Santa Irene, que tratou do restabelecimento do mártir. A excitação visual do retrato de Tanzio serve para transmitir o estado de elevação emocional e transcendência da dor física de Sebastião. Contribui para o acaloramento do drama a extrema compressão de sua composição. As formas sólidas e grandes de Tanzio preenchem toda a moldura, aparentando se torcer e contorcer para caber nos seus limites. Se o ilusionismo vibrante e fortes contrastes entre luz e sombras - pulsante na roupagem através do colo de Sebastião e no padrão

Um dos aspectos mais saborosos da arte holandesa do século XVII é que ela transmite um intenso senso  da vida cotidiana. Nessa pintura, por exemplo, observamos o alvoroço das atividades que ocorrem do lado de fora da taverna da vila com a chegada de dois viajantes que desmontam de seus cavalos. Uma pedinte com uma criança amarrada às suas costas observa a cena enquanto outras figuras conversam com um dos viajantes. A rua principal da vila está repleta de outros grupos, dentre eles homens fumando cachimbos em um banco diante da estalagem, uma criança brincando com o avental da mãe e um homem que conversa com uma tecelã. Van Ostade cria um senso de convivência pela aparente informalidade desses contatos humanos, e também ao incluir uma série de animais dentro da cena. Ele também foi cuidadoso em sugerir os traços pitorescos das construções, árvores e videiras, e descrever o ladrilho envelhecido e a argamassa de que é feita a estalagem. Isack van Ostade foi o mais importante de um

Jean-Siméon Chardin foi celebrado por seus contemporâneos por suas naturezas vivas pintadas com traços grossos de tinta e grande atenção aos detalhes. Nessa composição um rapaz posicionado à janela ainda sopra uma bolha de sabão. Tanto ele quanto o menino próximo a ele estão completamente absorvidos na diversão; entretanto, para um observador do século XVIII, as bolhas de sabão não eram somente uma forma de entretenimento, mas também símbolos da transitoriedade da vida. O tema era popular nas gravuras holandesas que foram grandemente disseminadas pela França, e Chardin realizou ao menos três e provavelmente quatro versões dessa pintura. A monumentalidade de sua figura aqui dá uma torção no tema da vanitas : a sugestão de que o rapaz é ocioso e está desperdiçando seu tempo. Apesar de Chardin proporcionar a ilusão de ter capturado os garotos em um momento desprevenido, ele construiu rigorosamente sua composição. Os dois rapazes são enquadrados por uma janela de pedra retangular, os r

Giovanni Della Casa, que muito provavelmente é o tema desse quadro, pertencia a uma rica família toscana e veio a se tornar proeminente à serviço da Igreja. Como poeta, humanista e teórico político circulou nos mais altos escalões da vida intelectual italiana. Della Casa também escreveu um livro sobre boas maneiras, e nesse retrato, do princípio dos anos 1540, exibe o sóbrio auto-controle expresso nessa obra. Quando Pontormo pintou essa imagem, Della Casa estava nos seus trinta e poucos anos, e atuava em Florença como Comissário Apostólico dos impostos. Pontormo retratou o monsenhor em um escuro interior e, ainda que os detalhes arquitetônicos sejam poucos, sugerem se tratar de Santa Maria del Fiore, a catedral de Florença. O estilo maneirista de Pontormo era uma brilhante síntese expressiva de fantasia e observação acurada da natureza. Aqui o equilíbrio se inclina a favor da realidade visível, mas uma realidade intensificada por exageros plausíveis. Por exemplo, a pequena cabeça d

Head oferece aos seus observadores um vislumbre íntimo no exótico retiro que é o jardim secreto da natureza. Líquens cobrem galhos mortos; musgos pendem das árvores; e uma névoa cinza-azulada encobre a floresta distante. Uma opulenta orquídea rosa com caules de coloração esverdeada e vagens domina o primeiro plano. À direita, empoleirado próximo ao seu ninho em um galho, encontra-se um Sappho Comet, verde do papo amarelo e reluzente cauda vermlha e duas ametistas brasileiras verde-rosas. Inspirado pelos escritos de Charles Darwin, o artista estudou estes temas in loco  durante as diversas expedições à América do Sul. A flora e fauna precisamente descritas tornam-se vivas em seu habitat natural, não meras espécies para análise científica. Desafiando categorias estritas tanto da natureza morta quanto da paisagem, a obra de Head reflete uma infalível atenção ao detalhe e seu deleite com as infinitas alegrias da natureza. Texto: National Gallery of Art. Nova York: Thames & Hudson

Por diversas décadas após Canaletto pintar seu Quay of the Piazzetta , Francesco Guardi continuou produzindo paisagens pitorescas para o comércio turístico. Apesar do artista ser pouco conhecido em seus dias, suas vistas de Veneza hoje são grandemente valorizadas por suas qualidades atmosféricas e pinceladas amplas e delineadas. A Ponte de Rialto, construída em 1592 como a primeira ponte de pedra a cobrir o canal, é o ponto focal da composição de Guardi, uma das diversas versões da popular atração. Repleta de barracas de mercado, formava o eixo de um importante centro comercial. Logo após a ponte à direita se encontra o Fondaco dei Tedeschi, o armazém dos mercadores alemães - hoje uma agência dos correios - que se tornou famoso na Renascença quando Giorgione e Titian pintaram os afrescos de sua fachada. As pessoas acotovelavam suas cabeças para fora de suas janelas nas varandas para observarem o espetáculo da vida cotidiana no Rialto. O artista provavelmente tomou sua vista de um

Um furacão patriótico surpreendeu o o centro de Manhattan quando os Estados Unidos entraram na I Guerra Mundial, na primavera de 1917. Na Quinta Avenida, a Union Jack  britânica, a tricolor francesa e a Stars and Stripes  americana foram exibidas ostensivamente durante as paradas em honra dos aliados americanos. O festival de cores inspirou Childe Hassam, que dedicou essa pintura a "união de [nossos] três povos em luta pela democracia." As pinturas das bandeiras de Hassam foram exibidas pela primeira vez em grupo na Durand-Ruel Gallery de Nova York, em novembro de 1918, apenas 4 dias após o armistício ter sido declarado. As obras, portanto, criadas para proclamar a entrada dos Estados Unidos no conflito, também serviram para comemorar sua intrepidez vitoriosa. Hassam havia estudado em Paris de 1866 a 1869 e havia sido fortemente influenciado pelos impressionistas. Sob muitos aspectos, O Dia dos Aliados , assemelha-se às vibrantes pinturas de boulevares de Monet e Pissaro.

François Hubert-Drouais datou seu informal retrato familiar em tamanho natural no dia 1 de abril de 1756 revelando, desse modo um sentido oculto. No calendário medieval o Ano Novo coincidia com o equinócio primaveril de 25 de março e 1 de abril, que marcava o início da primavera, sendo celebrado com festividades e presentes. Depois do calendário gregoriano de 1582 ter proclamado o 1 de janeiro como Ano Novo, a tradição da troca de presentes no 1 de abril continuou e ainda é celebrada hoje, não obstante de maneira mais derisória como Dia da Mentira. A troca de presentes associada à primavera é desenvolvida de forma elaborada na obra de Drouais: a garotinha presenteia a mãe com flores, o marido lê uma carta ou soneto para sua esposa, e a mulher, enquanto arranja as flores no cabelo da filha, também aponta para a filha enquanto um presente simbólico do marido. Drouais não proporciona informação suficiente para identificarmos seus retratados, mas nos dá uma visão íntima do boudoir . Ne

A severa recepção da primeira exibição coletiva dos impressionistas e os resultados desastrosos de um leilão que Renoir realizou com otimismo em 1875 o puseram em limitadas condições financeiras. Talvez para remediar a situação, dentro de um ano ele começou a pintar descrições anedóticas de mulheres e crianças, tema no qual se destacou. Garota com Regador , obra típica dessa fase, apresenta um estilo impressionista amadurecido, sintonizado com os desígnios específicos da figura retratada. As cores de Renoir refletem o frescor e o esplendor da paleta impressionista, enquanto seu tratamento é mais controlado e regular que de suas paisagens, inclusive com pinceladas aplicadas através de delicados toques, particularmente no rosto. Brilhantes matizes em cores vivas envolvem a pequena garota numa atmosfera de luz calorosa e transmitem de forma charmosa seu apelo inocente. Identificações específicas foram propostas à garota, mas nenhuma convincente. Muito provavelmente, Renoir descreveu

Gilbert Stuart foi exclusivamente um retratista; em sua carreira de cinco décadas, produziu mais de mil e cem quadros, menos de dez dos quais não foram assemelhados . Dos retratados, um décimo de seus quadros foi de George Washington, a quem foi introduzido pelo amigo em comum, o Chefe do Departamento de Justiça, John Jay. Os similares 104 quadros conhecidos do primeiro presidente se encontram divididos em categorias elaboradas após a compra dos originais de Stuart, das quais ele fez suas próprias réplicas: o George Washington [retrato de Vaughan] foi adquirido por Samuel Vaughan, um comerciante de Londres que era amigo do presidente. Um conservador charmoso, Stuart podia conversar enquanto pintava, assim entretendo seus retratados para manter o frescor de suas expressões durante as longas horas em  que posavam. Para o sério e taciturno Washington, entretanto, a sagacidade loquaz era entediante. "Uma apatia parecia aprisiona-lo, e uma vacuidade parecia se disseminar sobre se

A aspiração primordial de Rembrandt enquanto artista foi se tornar um grande pintor histórico. No século XVII, a pintura histórica, que significava a descrição de cenas bíblicas, mitológicas e alegóricas, encontrava-se no mais alto escalão da arte. Os teóricos a priorizavam antes de outros temas como paisagens, retratos ou naturezas-mortas por conta do papel da imaginação do artista ser tão crucial para uma interpretação bem sucedida da história e sua moral. Rembrandt extraiu as interpretações de seus temas de três fontes básicas: textos escritos, imagens pictóricas anteriores das cenas e uma análise cuidadosa das emoções humanas tal como ele as observava na vida cotidiana. Ele emprestou então as suas cenas um sentido peculiar através de um sugestivo uso de acentuações de luz e sombras, riqueza de cores e aplicações ousadas de tinta. Rembrandt era particularmente orgulhoso da história de José. Esta cena, extraída do livro do Gênesis, capítulo 39, descreve o momento em que a espo

Ainda que a referência original aos homens sábios, ou magos, no Evangelho de Mateus seja mínima, os homens da igreja eventualmente os elevaram ao status de reis, dando-lhes nomes - Baltazar, Gaspar e Melchior, investindo seus presentes de ouro, incenso e mirra, de sentidos específicos. O status real e as origens estrangeiras dos três viajantes inspirou medievais e renascentistas, que deram livre vazão às suas imaginações ao tratar tema tão pitoresco. Juan de Flandres tomou a oportunidade para pintar uma cena caprichosa, repleta de vestuário elegante, ouro reluzente e jóias, assim como tipos raciais variados.  Todos trajam exóticos chapéus e carregam recipientes ricamente adornados contendo suas oferendas. Visíveis a distância, a cavalo, encontram-se diversas figuras menores, membros dos séquitos reais. Mesmo existindo inúmeras referências a esse presumível pintor do nordeste nos registros de seus mecenas espanhóis, nada é conhecido de seus primeiros anos. Sua reputação enquanto a

Esta cena foi pintada no lado oposto da Madona com Criança , de Dührer. A história de Lot e suas filhas é oriunda do capítulo XIX do Gênesis. Em primeiro plano Lot e suas duas crianças são retratados fugindo da destruição de Sodoma e Gomorra, que entraram em erupção com explosões luminosas de fogo ao fundo.  A esposa de Lot se encontra visível acima à esquerda em segundo plano. Ela se transformou numa estátua de sal por desobedecer a ordem divina de olhar para trás na cena da retribuição. Esta cena é importante para a lição moral a ser ensinada. Como a história de Noé e o Dilúvio, a de Lot e da desolação de Sodoma e Gomorra foi uma alegoria demonstrando o poder de Deus para salvar os justos. Já que a combinação da história de Lot com a descrição da Virgem com a criança é extremamente pouco comum, a relação exata entre as duas imagens permanece desconhecida. Entretanto, podem ser compreendidas como dois exemplos do valor de uma única vida e da sutil graça  divina, particularmen

Naturezas-mortas com motivos de caças se tornaram populares na arte holandesa na última parte do século XVII, numa época em que a sociedade holandesa se tornava mais rica e refinada. Um dos artistas mais importantes dessa tradição foi Willem van Aelst, originário de Delft, mas que se aprimorou e trabalhou  por uma série de anos na França e na Itália. Van Aelst descreve uma série de animais mortos pendurados e jazendo sobre uma borda de pedra na qual uma armadilha dourada e azul de caçador pende. Os animais foram pintados de forma bastante precisa e a maior parte deles pode ser identificado. Além da grande lebre européia e dos galos existe uma perdiz, um martim-pescador e uma pequena ave da América do Norte e Eurásia. Também visíveis  são dois capuzes de falcoeiros, talvez para indicar a natureza da caça. Que a  pintura de Van Aelst pretendia representar o tema geral da caça mais do que os despojos de uma caça específica se torna evidente pela descrição em relevo de Diana e Actae

A demanda britânica por retratos cresceu intensamente no século XVIII quando membros da afluente classe média se tornaram eles próprios mecenas. Arthur Devis foi um artista provinciano que passou a viver em Londres, onde sofisticados retratistas da classe alta tais como Reynolds e Gainsborough dominavam o mundo artístico. Devis recebia comissões de proprietários de terras de classe média, mercadores e oficiais que viviam em cidades menores, afastadas de Londres. Esse retrato informal é uma conversation piece , gênero apreciado por Devis. As figuras, embora apresentadas de corpo inteiro, são relativamente pequenas e se encontram posicionadas um pouco para trás da paisagem; o pano de fundo é maior e mais detalhado que na pintura tradicional, descrevendo temas pessoais e contexto social. Devis concebeu um repertório de posturas e gestos que utilizou para expressar o status social de seu retratado.Arthur Holdsworth, diretor do Dartmouth Castle,  observado sentado, com expressão atenta

Both Members of This Club foi inspirada pelas lutas que Bellows testemunhou no Tom Sharkey Athletic Club em Nova York. Na época, as lutas de boxe públicas eram ilegais na cidade. Organizações privadas como a de Sharkey tornavam os futuros lutadores membros provisórios do "clube" na noite do evento para driblar a lei. Na pintura pode quase se sentir a atmosfera da fumaça de charutos borolentos e suor que caracterizava esses ambientes. No frenético clímax da disputa, o lutador vitorioso à direita avança, enquanto o quase vencido boxeador da esquerda, com a face contorcida de dor, resiste fracamente ao soco e momentaneamente consegue adiar sua derrota iminente. As pinceladas rápidas e contundentes de Bellows, seu uso característico de iluminação dramática  e cores lúgubres, sua seleção de ângulos fortes e dramáticos primeiros planos todos amplificam o sentido de momento presente da cena. Os membros da platéia, com suas faces horrivelmente desfiguradas pela paixão sofrida, apre

Pode ser dito que com pinturas como essa, Annibale Carraci inventou a paisagem como tema para a pintura barroca italiana. A natureza é apreciada aqui primeiro e antes de tudo por ela própria, e não como pano de fundo para uma história. Uma branda luz de sol salpica a terra e seleciona as ondulações que pertubam a superfície do rio. O dourado no topo das árvores sugere um dia de começo do outono. Revestido de forma luzidia em vermelho e branco, um barqueiro executa seu ofício pelas águas rasas. Na companhia de seu irmão Agostino e seu primo Ludovico Carraci, Annibale fez excursões ao campo para criar esboços de paisagens. Desses estudos rápidos feitos nos locais, trabalhou suas pinturas no estúdio. A composição resultante é um magistral equilíbrio das formas. Como o rio segue seu caminho pelo campo em direção ao primeiro plano os desvios de terra que traçam seu curso são feitos de recuos e avanços num ritmo alternado de triângulos. Árvores, como postes indicativos, demarcam a dim

Ao longo de toda a sua carreira, Tiepolo pintou pequenos retratos de temas mitológicos, que provaram ser extremamente populares. Os temas de tais obras eram provenientes dos episódios mais conhecidos da literatura antiga, mas sua concepção das histórias era variada e original. Sua descrição de Apolo e Dafne vem diretamente das Metamorfoses , de Ovídio. Dafne, a bela ninfa e seguidora da casta deusa Diana, é perseguida pelo deus sol Apolo, que foi atingido pela flecha dourada do amor do Cupido. Fugindo de Apolo, Dafne alcança seu pai, Peneus, o deus dos rios, observado aqui à esquerda. Para evitar os avanços indesejáveis de Apolo, ela é transformada num pé de louro. A transformação ocorre diante de nós, com uma de suas pernas virando tronco e de seus braços brotando ramos. Apolo e Dafne  é única em meio às interpretações do tema. O impulso para a frente de Apolo parece provocar o movimento de recuo de Dafne, numa composição de frenético movimento. O cupido domina a ira de Apolo, que

Em 1862, Bazille chegou a Paris para estudar medicina, por insistência dos pais, e arte, por sua preferência. Ele se uniu ao estúdio de ensino acadêmico administrado por Charles Gleyre, aonde encontrou Monet, Renoir e Sisley. Atraído pelas tendências modernistas da arte vanguardista, os quatro abandonaram o estúdio em prol da observação direta. Trabalhando em harmonia e proximidade, gradualmente inventaram o impressionismo. Ao contrário de seus companheiros, Bazille permaneceu relativamente obscuro. A produção de Bazille foi limitada e o artista morreu em 1870 durante uma batalha da Guerra Franco-Prussiana. Mais cedo no verão de 1870, antes da eclosão da guerra, Bazille pintou duas obras similares descrevendo uma negra com uma variedade exuberante de flores. Evitando a especificidade anedótica, a mulher retratada na pintura da National Gallery posa como vendedora estendendo um cacho de peônias escolhidas de sua cesta carregada de flores sazonais. As peônias apresentadas, flores cul

A natureza-morta se desenvolveu como uma categoria à parte da pintura no século XVII. Os artistas holandeses trabalharam numa variedade de tradições de naturezas-mortas que iam de peças retratando banquetes até pinturas focadas somente em frutas, conchas, livros ou flores. De Heem foi um dos mais talentosos e versáteis desses artistas, e também um dos mais influentes. Sua técnica consumada o permitiu retratar uma grande variedade de texturas de forma convincente. Nessa pintura de flores podemos nos deleitar com sua descrição realista das pétalas das tulipas, os longos juncos encurvados de trigo, animais minúsculos como borboletas, formigas, caracóis, lagartas e, por fim, seus reflexos no vidro transparente. De Heem também possuía grande sensibilidade composicional. Mais de vinte tipos de flores, vegetais e grãos foram unidos aqui de forma a permitir que suas cores e formas se equilibrassem em um arranjo harmonioso. A despeito da descrição realista de De Heem, esse arranjo floral nu